C’est un très grand honneur pour Mauves-sur-Arts que de recevoir Patrick JOUIN, l’enfant de Mauves sur Loire.

Le chemin des jardins passant devant le bâtiment industriel (aujourd’hui occupé par l’entreprise CIAN) qu’il avait créé pour son père Jean-Claude JOUIN, nous avons osé inviter Patrick, et c’est avec une grande courtoisie et sa gentillesse qu’il a accepté de participer à notre manifestation.

Lorsqu’il parle de lui, tout de suite, Patrick Jouin parle de son père artisan, ingénieur mécanique, qui concevait des machines pour l’industrie. Dès qu’une entreprise avait besoin d’une solution un peu atypique, d’une réflexion créative sur la technique, elle faisait appel à Jean-Claude Jouin. Baigné de technique industrielle, Patrick Jouin a poursuivi parallèlement des études scientifiques et l’apprentissage de la peinture. Intéressé tout autant par la médecine que par le design, il a cette double approche de la mesure du corps et de l’objet qui idéalement, en design, ne font qu’une.

Après avoir obtenu son bac en 1986, Patrick Jouin poursuit des études de design à l’ENSCI de Paris dont il est diplômé en 1992. Il commence à travailler pour Thomson Multimédia avant de rejoindre l’agence de Philippe Starck un an plus tard.

En 1998, il fonde sa propre agence au sein de laquelle il réalise des projets de design d’objets, d’architecture intérieure et de scénographie. Il crée des objets et des meubles qui sont édités par Ligne Roset, Cassina, Fermob, Kartell ou Alessi. Il réalise également un prototype de véhicule haut de gamme pour Renault.

En 1999, il rencontre Alain Ducasse avec lequel il

collabore et réalise le design de plusieurs restaurants dans le monde, notamment le Plaza Athénée, le Spoon Byblos, Le Mix (New York, Las Vegas) et s’est vu confier la décoration du Jules Verne au

second étage de la Tour Eiffel.

En 2007, il conçoit le design des stations Vélib’.

Son style est souvent qualifié de discret et dépouillé. Il reste néanmoins élégant, poétique et allie tradition et modernité.

Cette approche se retrouve, en particulier, dans ses réaménagements de lieux (Plaza Aténée, magasin Van Cleef & Arpels Place Vendôme, Auberge de l’Ill). Patrick Jouin parvient à moderniser ses espaces

(voire à leur apporter une touche de fantaisie) tout en préservant leur identité. Jouin attache une importance particulière à la lumière qu’il considère comme essentielle et qu’il met en œuvre pour magnifier les espaces. Son goût pour la lumière s’exprime également dans ses créations : luminaire Ether (Murano Due) et dispositif lumineux NightCove (Zyken).

En tant que designer d’objets, Patrick Jouin ne dédaigne pas l’utilisation de technologie sophistiquée pour créer de nouvelles formes (chaises et tabouret Solid, tabouret OneShot):

« La technologie permet de fabriquer ce qui semblait hier impossible. Cela change beaucoup de choses pour les designers. » Il privilégie néanmoins une approche éclectique empreinte parfois de poésie (lampe Ether) et de jeu (cuillère Tarti’Nutella).

Les créations de Patrick Jouin font partie des collections du MoMA, du Mudam et du Centre Pompidou qui lui consacre l’exposition Patrick Jouin – La substance du design en 2010.

REALISATIONS MARQUANTES :

• Cuillère Tarti’Nutella (2003), Ferrero
• Chaise Solid (2004), MGX Édition
• Tabouret OneShot (2004, MGX Édition
• Conteneur Optic (2006), Kartell
• Luminaire Ether (2006), Murano Due
• Casserole Pastapot (2007), Alessi
• etc, etc ……….

Il est à noter qu’une surprise attendra aussi le visiteur dans le bâtiment. Il sera en effet sonorisé par VERT FONCE. Jean-Philippe AUGER, de Tours, va installer un dispositif de DESIGN SONORE, c’est à dire la diffusion d’une musique environnementale réactive à l’activité contextuelle.

Après une maitrise d’Arts Plastiques en sculpture (2000) aux Beaux-arts de Damas, des études supérieures en sculpture (2002) suivies de multiples expériences 2005-2009) dans divers ateliers de sculpteurs, ainsi que ses propres travaux artistiques en Syrie, l’univers de Bilal s’ouvre vers la France et l’Inde.

Du temps et de ses variations, il aime a cristalliser les secondes, secondes articulées. Tous les matériaux disponibles s’accordent avec sa sensibilité pour créer des formes qui existent déjà. Jamais l’art n’est objectif.

On dit que ses bronzes, marbres, bois, résines ou terres portent la marque du monumental. Bilal aime penser à cette échelle. Toute l’envergure du corps est interpellée par la présence architecturale. Il réalise également des sculptures sur commande.

L’idée du partage et la transmission du savoir-faire sont devenues évidente pour l’artiste, plus particulièrement autour de la sculpture du bronze.

Pendant vingt ans, j’ai travaillé, en tant que cinéaste, au rythme de 24 images par seconde et aujourd’hui, je réalise une image par mois. L’image prend désormais le temps de sa matérialisation et de sa maturation.
J’utilise une technique qui peut s’apparenter à de la tapisserie : je compose l’image point par point. Le geste fait corps avec un travail archaïque. Consécration de la durée et renouveau d’un rythme intérieur.

Le support est un filet de pêche sur lequel je noue, d’une demi-clé à chaque intersection, des bandes de tissus en toile de spi.
Au préalable, je réalise un canevas obtenu par la compression numérique d’une photo que je mets en scène.
La particularité de cette image tissée est sa visibilité des deux côtés. Il n’y a pas d’envers mais une matière différente : d’un côté la trame des points (les nœuds), et de l’autre, les rubans formant l’image, comme une peinture à grands traits de pinceaux.

Je considère la fin d’un tissage quand je l’installe en pleine nature . Il faut un certain recul pour le découvrir dans son ensemble. Chaque tableau est installé dans un lieu particulier, et puis il est photographié.
La rencontre, l’entrecroisement, l’interaction du tableau et du site trouvent leur aboutissement dans l’espace du paysage.
J’aime la peinture et je peins. Je continue de peindre quand je fais de la tapisserie : je pénètre dans la peinture des autres, des grands Maîtres.
La pixellisation (px) de l’image donne l’essentiel du trait, comme un haïku
Le sourire de la Joconde est composé de 3 points gris clair et 2 points gris foncé.
Les Yeux du Christ du Greco sont 10 points blancs qui disent la supplique d’un homme à la torture.
Vincent van Gogh et son infinie tristesse dans la pupille tissé par 6 points gris..

Violaine Dejoie-Robin, décembre 2010

« Formé sur le tas … de récup’, j’ai toujours eu envie de créer des objets en partant de matériaux destinés au rebut. Quand j’ai besoin d’un produit (lampe, mobilier, article déco..) je me pose à chaque fois la question de savoir si je ne peux pas le faire moi-même ! Avoir ce coté unique de l’objet.

C’était donc une évidence pour moi, lors d’un changement professionnel en 2010, de m’orienter vers ce qui me tentait depuis longtemps. Ainsi, en janvier 2011, j’ai lancé I.L.O ( Imagine L’Obje t ), création d’objets d’art et de décoration, en auto entreprise.
En 2010, au cours de mes réflexions, me vient l’idée d’associer ‘ tôle ondulée ’ et ‘ les vaches ont du lait ‘ : pourquoi ne pas créer une vache en tôle ondulée ! Je débute ainsi ma série « Les Vaches Ondulées ».

Ce matériau me plait et j’essaie alors de varier les sujets en m’imposant de les réaliser avec un seul et même morceau de tôle. Je la travaille de différentes manières : découpée, martelée et pliée ou tronçonnée en lamelles puis façonnée à la main. Je peux aussi gratter la rouille pour faire ressortir le métal nu et obtenir ainsi des effets de noir et blanc.
Le thème est souvent le fruit d’une ‘ gymnastique cérébrale ‘, où le nom détermine l’objet en jouant sur les mots. Mais l’inverse est aussi vrai, je fais l’objet et je dois le baptiser avec la même contrainte verbale. Pour moi une logique créative ».

Hervé GUYAU

On peut trouver l’artiste chez lui à Château-Renault dans son atelier ou bien à Paris sur les toits car en plus de son activité artistique il est aussi cordiste pour les travaux en altitude. Tel un personnage de Chagall, on l’imagine la tête à l’envers cherchant des formes dans les nuages.

Yann, tout juste 20 ans,était lui aussi venu à Mauves en 1987 donner la main à Jean LE DOUSSAL pour la sculpture monumentale PEN GWEN qui est retournée dans les environ de Luynes son village natal.
Entre sculpture, bas-relief et gravure, son travail est très graphique. Les formes se transforment en signes qui se répondent dans une rythmique douce ou plus soutenue.

Il exposera à la Barre. Yann Le Doussal proposera aussi une sculpture cinétique d’environ 4 m de hauteur.

François GEORGET a posé ses valises à Saint-Etienne de Chigny à 15 km de Tours, rive droite de la Loire, dans une maison semi-troglodyte.

Dans sa commune il participe à l’organisation de « L’art en troglo » une manifestation semblable à « 1 jardin, 1 artiste ». L’artiste connaît Mauves depuis 1987 car il était venu aider Jean Le DOUSSAL à sculpter « Pen Gwen » pendant un symposium de sculpture. Ces deux pierres sont restées longtemps mystérieuses sur le « Pré aux Oies ». C’est grâce à lui qu’elles ont été transportées et remontées à Saint-Etienne de Chigny près de chez Jean Le Doussal aujourd’hui décédé.

François Georget, est un poète de la sculpture et un grand rêveur qui s’est mis à sculpter des bâtons de marche comme les bergers dans les alpages. Il en a crée une bonne centaine et nous avons la chance d’en exposer environ soixante dix. Il les appelle des VAGABONDAGES. Pour une exposition à la MJC de Joué-les-Tours il en a tiré des empreintes saisissantes qui les transforment en bas-reliefs.

Ces bâtons seront présentés en suspension; nous pourrons passer à travers et commencer le parcours d’1 jardin, 1 artiste en en prenant symboliquement un pour mieux vagabonder de jardins en jardins.

 » Autodidacte, j ai toujours eu du plaisir à voir comment mes sculptures continuent à vivre leurs vies après leurs réalisations. C’est le regard du spectateur qui donne cette dimension. Merci de vos regards complices . Je fais de la sculpture par soustraction, donc la sculpture existe déjà à l’intérieur de la matière avant tout travail , sur le bois, la pierre ou le béton cellulaire. J ai la certitude que la sculpture ne vient pas toute seule. Il y a des conditions pour qu ´elle  » sorte ». Elle vient à travers moiet pas forcément à cause de moi.
Je ne suis qu’un vecteur au même titre que celui qui la regarde quand elle est exposée « .

Michel Robet.

Collectif éphémère, ou pas, créé pour le plaisir de l’aventure artistique commune et pour celui de le faire partager.

Déambulant dans « Le chemin des sens », on pourra y croiser musicien ou conteur, sculpteur ou peintre, installations sensorielle et photographique, ou encore danser avec les mots.

Aurore CARAU – Joueuse de mots

Juste quelques mots posés, à relier entre eux par l’’envie, le désir, la vie. Prenez le chemin, respirez, sentez, écoutez, regardez, vous verrez, vous aussi, vous allez savoir faire !

Pascal PINCHON – Peintre

L’invisible n’a de sens en soi, que lorsque l’imaginaire et l’intuition prennent le pouvoir sur la raison. Alors seulement ce qui est rendu tangible et visible peut témoigner de ce qui est essence par nature et essentiel aux forces qui gouvernent l’ordre naturel d’un créateur.

Jean-Michel CARAU – Musicien / funambule en recherche d’équilibre

Il a jusque-là évité la chute fatale, et s’est toujours suspendu à une croche ou une ronde. Multi instrumentiste doté à la naissance de 2 mains qui naviguent sur les flots tantôt de son sax, tantôt de sa guitare, ainsi que 2 oreilles, dont il se sert pour éviter d’abreuver son auditoire de fausses notes, et d’’une bouche, juste pour faire joli, et un peu pour chanter (ou le contraire, ça dépend).

Yveline GIMEL – Plasticienne

Autodidacte, sauvageonne à l’extrême, le cœur noué à la terre et au ciel je me suis fait bâtisseur de rêves. Je donne des formes, des couleurs pour offrir du rêve, susciter l’imaginaire. Créer est mon audace vitale. Je crée comme on crie pour communiquer ce souffle indispensable de « l’osez faire !! ».

Au creux d’un village j’ai posé mon monde (Bauduen -Var). Un jour je serai magicienne !

Gérard CARAU – Plasticien

« Je cueille la matière. Je crée dans ce qui me touche et m’entoure, guidé par ce que m’accorde la nature »

Philippe DESFONTAINE – Sculpteur

« Dans la recherche de  » Ma Pierre », je me laisse guider au gré de mes rencontres et de mes aspirations. »

Lionel PERRIN – Journaliste conteur

Il laisse flâner son regard curieux, il essaie de faire parler ce qui se tait, il donne à voir et à entendre.

Alain CARAU – Tourneur, sculpteur sur bois

Cette matière m’a appelé voilà plus de 35ans et je la découvre encore, dans son infinie diversité. Je la taille et la caresse à la fois, pour lui donner l’apparence de mes pensées.

Depuis de nombreuses années le travail de Pascal PROUST est en interaction constante avec l’architecture. Il se situe à la jonction du dessin d’architecte, du bas-relief et de la sculpture.

Il découpe, façonne papier, polypropylène ou métal avec comme parti pris le « pliage relief ». Il joue sur l’action de la lumière, l’intensité des ombres et des éclats de lumière, jeux poétiques des espaces et des pliages.

Pascal obtient des formes épurées « construites », aux combinaisons géométriques complexes, le projetant ainsi vers la troisième dimension.

« Dans ses sculptures il y a quelque chose de « mathématique » (non

pas la sévérité, l’abstraction,…) mais l’harmonie des enchaînements du raisonnement logique qui ne souffre aucun écart, aucune négligence ou approximation.» Maurice Rivoire

Depuis 1999, l’artiste a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives en France, en Allemagne au Maroc ainsi qu’en Norvège et en République Tchèque, en collaboration avec l’Institut Français.

Installations d’Art environnemental

-2013 « ITEM », installation sur 1000 m2, 5500 m de ruban en polypropylène, ART D’ICI 2013, ville d’Angers
-2012 « The Stopover », installation de 400 sculptures en Loire, Saint Florent le

Vieil

– 2011 « The Stopover », Hå Gamle Prestegard, Rogaland, NORVEGE, en collaboration avec L’INSTITUT FRANCAIS DE STAVANGER, installation de 400 sculptures
-2010 « The Stopover », Parc Vojanovy Sady, Prague 1, REPUBLIQUE TCHEQUE, en collaboration avec L’INSTITUT FRANCAIS DE PRAGUE
installation de 300 sculptures avec la collection de Daniel Couturier
-2010 Sola, Lysefjorden, Sandnes, NORVEGE-installation de 170 sculptures
-2006 ART EN CHEMIN-BLAISON-GOHIER-installation dans un vignoble de 70 sculptures

Principales expositions, peintures, sculptures

-2013 CENTRE D’ART de MONTRELAIS « du volume », exposition collective
-2012 Résidence d’artiste – FRIDA HANSEN US INSTITUT FRANCAIS

-2011 GALERIE – « Galleriet », Stavanger, exposition personnelle – NORVEGE
-2011 PARAVENTS D’ARTISTES ,exposition collective, Casablanca (médiathèque de la Fondation
de la Mosquée Hassan II), Meknes , Rabat avec M. Daniel Couturier, collectionneur, et le Syndicat Marocain des Arts Plastiques. MAROC
-2011 GIROUETTES CONTEMPORAINES -Château JINDRICHUV HRADEC, REPUBLIQUE TCHEQUE, exposition collective, collection Daniel Couturier
-2010 SHOWROOM –AGENCE D’ARCHITECTURE

LOGERAIS et ASSOCIES, Nantes, exposition personnelle
-2010 GIROUETTES CONTEMPORAINES – Bréal-sous-Montfort, exposition collective, collection Daniel Couturier
-2010 GALERIE RECTILIGNE – Vannes, exposition personnelle
-2010 ANGERS CINNA – Exposition Cinna – Angers, exposition personnelle
…….

 » Le temps des jardins est revenu. Jardin et paysage font l’objet d’une passion collective, de recherches, de réunions, de restaurations, de créations.

Artiste, je retrouve aujourd’hui, dans et avec la nature, le goût du bizarre, l’esprit de l’art rustique et l’idéal grotesque. Je marche ainsi sur les pas des rocailleurs de Gironde. Je restaure et réinvente ce jeu subtil entre l’authenticité des éléments végétaux ou minéraux et la reproduction maîtrisée du naturel. Je participe ainsi

de ces architectures d’imitation qui peuplent et inspirent depuis l’antiquité les jardins célèbres comme les jardins les plus modestes.

Ce patrimoine paysager est parfois menacé. Il a fait l’objet d’un recensement et se classe singulièrement dans un style rustique. Très en vogue au XIXème et XXème, accompagné de nouvelles techniques et de la naissance du

parcs publics sont en cours de restauration (parc les Buttes-Chaumont, Parc de Majolan…) et de nombreux propriétaires privés investissent dans la restauration de leur « jardin rustiqué » de ville ou de bord de mer. Ils participent ainsi majoritairement à la préservation de cet art sophistiqué de l’illusion, qui a su traverser les siècles. »

Stéphanie Ventura-Fornos

Sculpteur de formation, issu du milieu rural, Marc GEORGEAULT aime le travail en contact avec la nature et les matières qui en découlent. Au fil du temps et des voyages, toutes sortes de matières se sont avérées être à ses yeux de vraies sources d’inspiration.

Marc affectionne le lissage des courbes. Il aime défier les lignes, les façonner pour les rendre parfaites de tout point de vue.

Sa démarche artistique allie esthétisme et défis techniques. Populaire et moderne elle surprend tous les publics de façon subtile. Utilisant les techniques de sculpture, elle entraîne vers un univers créatif et concret. Dans

le but de réconcilier l’art contemporain avec les métiers d’art, son travail se veut être mélange harmonieux des deux approches.

Marc apprécie travailler sur des sujets donnés, la réflexion qui stimule l’imagination. Cela conduit à l’art contemporain par son exactitude dans le présent comme dans le futur.

Il aspire à travailler des œuvres de plus en plus volumineuses car il aime le challenge technique et le défit avec la matière. L’art doit être accessible à tous, et la réalisation d’œuvres monumentales commune contribue à démocratiser la culture.

Note d’intention

« A chaque instant la nature s’impose à moi dans tous ses détails. Par un mouvement continuel, elle travaille la matière à sa façon. Par cette exposition, je veux livrer une synthèse de ma contemplation au travers d’œuvres abstraites où créativité, esthétisme et technicité se conjuguent.

A l’heure où la production de masse transforme la matière dans sa structure pour l’uniformiser et la rendre « parfaite », je présente une sélection de sculptures réalisées dans un type de bois particulier, aux antipodes de la matière employée pour la série. J’emploie des parties spécifiques de l’arbre d’apparence disgracieuses et laides: loupe et souche. En la sculptant, je donne sens à la matière en lui rendant son originalité et toutes ses qualités. Les couleurs, les textures, les traits sont dévoilés et le bois devient riche et noble.

Je propose par cette collection d’aller à contre-courant et d’apporter ma vision de la nature en utilisant ses « imperfections » pour en faire ressortir sa beauté originelle ».

Marc Georgeault.

50 ans de passion métal.

Né en 1944, Jacques Billon suit un apprentissage de ferronnier de 15 à 18 ans. Sa vie active durant il pratique les métiers du métal. En sculpture son thème favori est le monde animalier et plus précisément les oiseaux.

Le corps humain est sa seconde source d’inspiration.

« Ses femmes » sont nées d’une forge et d’un marteau normal. Dans

cette approche Jacques essaie d’être juste dans les volumes et les courbes. L’acier est un matériau peu malléable et le plus opposé à la chair. Il cherche à le faire oublier pour ne plus voir que grâce et volupté. Le transformer par le feu de la forge en seins ou cuisses aux courbes harmonieuses est un challenge qui le motive. « Voir des gens caresser mes sculptures est pour moi un plaisir ! Ils oublient la modestie du matériau » nous confie Jacques non sans une certaine retenue.

Les nombreux prix du public décernés lors de ses différentes participations aux symposiums et expositions confirment le talent de l’artiste.

Né et vivant à Angers, Patrice LEBRETON est un jeune sexagénaire très attaché aux éléments naturels par l’argile qu’il travaille et sculpte. Il n’avait qu’un pas à franchir pour élargir le champ de son activité plastique vers des espaces « nature hors atelier ».

C’est ainsi que depuis une dizaine d’années il se plait à se laisser inspirer par des lieux et les matériaux qu’ils lui offrent.
Il en va d’installations très éphémères pour son simple plaisir à d’autres plus conceptuelles mettant en jeu des géométries insérées dans des espaces naturels, et parfois même à proximité de constructions.

La réalisation détient alors son propre discours et vise avant tout à rencontrer tous les publics via

les émotions et l’esprit d’enfance qu’ils portent intérieurement.

Installations de Land-Art

« Le parc aux 4 saisons » Installations Land art – Parc de Maulévrier (49) Saison 2013
« L’arche » – Baie Sainte Anne à Trégastel ( 22) – land art Festival de l’Estran 2013
« Les maisons en liberté » Installations Land art – Parc de Maulévrier (49) Saison 2012
« La grande hélicoïde en ballade » Installation in situ sur le site des Renaudières – Carquefou 2012
« La Liane Naturart » Installation

végétale intérieure dans le cadre de l’EXPO FLO – INHP d’Angers 2012
« Le cabinet de curiosité » Festival Prise de terre – Arnouville (28) automne 2012
« Quand la Nature se fait artiste » Installation land art – médiathèque municipale d’Angers. Automne 2011
« Le Dragon de bambou » Installation Land Art Parc Oriental de Maulévrier Saison 2011
« La mer des céréales roulantes » installation Land Art Festival 2011 Eurolandart Toury (28)
« Les arbres habillés » Installations Land Art dans le cadre du parcours « Un été contemporain » Parc de Montrude à St Saturnin sur Loire (49) été 2010
« Le pont qui vole » Oeuvre monumentale de land Art au parc Oriental de Maulévrier – Saison 2010

Pour Jean-François CALVES, toutes les sculptures ont une histoire à raconter. Ce ne sont pas seulement des poutres taillées.
Provenant d’anciennes charpentes l’artiste tente en les façonnant de leur donner une seconde vie.
Dans un premier temps il faut les dégager de leur première « peau », puis savoir les regarder, utiliser nœuds et fentes et commencer doucement à les façonner à l’aide d’outils appropriés. Gouge, massette, râpe à bois, scie deviennent alors les compagnons de transformation de la matière.

« Le bois sort de sa chrysalide, l’esprit se transforme et petit à petit va germer l’ idée » résume Jean-François CALVES.

C’est alors que se met en place le véritable travail de construction et celui de la réflexion qui est là en permanence tant que la pièce n’est pas achevée.

En fin de réalisation l’artiste se concentrera sur l’utilisation de papier de verre puis se focalisera sur les recherches si subtiles des patines et surtout du support en ferraille essentiel à l’élévation du totem.

Denis THEBAUDEAU vit et travaille au Petit Auverné en Loire-Atlantique.
Après avoir étudié le modelage pendant dix ans dans plusieurs ateliers avec Max FIGEROU, Françoise BOUDIER, et François TAMALET, il suit en parallèle des cours de dessins et croquis à l’école des Beaux Arts de Nantes. Fort des ces expériences il co-anime un atelier à Moisdon-la-Rivière.
Sculpteur essentiellement figuratif, Denis Thébaudeau s’inscrit dans une forme de travail classique avec une écriture détaillée.

Passionné par les visages, Denis n’y recherche pas nécessairement les « canons de la beauté », mais plutôt les traits pertinents du modèle.
Dans les ateliers dans lesquels il travaille, la pose de modèles vivants lui permet la sculpture de nus. « C’est un privilège de l’artiste de pouvoir rendre compte de la réalité d’un corps qui échappe au regard commun » se réjouit l’artiste. Il considère que cela lui donne une forme de responsabilité qui l’engage à en dire quelque chose au delà d’une simple copie somme toute anecdotique.
Comme pour les portraits, son regard et le modelage qu’il réalise se saisissent de ce qui est donné à voir pour en découvrir une expression, une force, ou une émotion, voire un sentiment.

Ses travaux en taille directe sur bois ou pierres de diverses origines cherchent aussi à privilégier une expression. Ils sont l’occasion d’une plus grande liberté personnelle, mais c’est aussi un travail différent qui sollicite l’intelligence de la matière et de l’outillage.

Depuis peu Denis Thébaudeau réalise des œuvres en bronze avec l’atelier de fonderie des forges de la Hunaudière à Sion-les-Mines.

Face au marais dans son atelier, le maillet à la main et la gouge de l’autre, Thierry LECORDIER taille le bois pour lui créer des mouvements. Dans des essences exotiques ou européennes, il trace des lignes instinctives sur le tronc qui le conduisent à la forme. Il lui arrive de façonner la terre selon son inspiration, cette étude lui servira de modèle…

C’est à Bourgneuf-en-Retz que Thierry Lecordier, sculpteur sur bois depuis une vingtaine d’années, expose ses œuvres abstraites ou figuratives notamment celles à travers lesquelles la lumière transparaît tant le bois est aminci.

Sa salle d’expo est un véritable paradis pour le visiteur qui reste subjugué par tant de beauté offerte au regard (entre autres, l’oiseau-lyre, le buste, la pudique…). L’artiste travaille avec bonheur différentes essences de bois : olivier, frêne, chêne, tilleul…

Didier GOUET ou l’itinéraire d’un artiste-artisan, quand domine l’idée, après l’usine ou le bureau, d’un passe-temps qui fait oublier ou saluer (c’est selon), à coups de ciseaux à bois, le gris des jours et l’arrivée du printemps.

L’inhabituel chez Didier Gouet, c’est qu’il fut aussi sculpteur professionnel… Normand de naissance, Didier a choisi à la vingtaine, un CAP ad hoc dans la poche, de partir sur les routes, au gré des petites annonces, vivre au quotidien son métier de passion : la sculpture des bas-reliefs de meubles…

En 1989 Didier accepte d’exposer quelques œuvres anciennes et séduit les Bruffériens. Souvent, le déchiqueté d’un tronc ou les méandres d’une racine, bouts de bois abandonnés à la mort, atterrissent à la maison après une promenade : Didier y taillera, en toute imagination, un corps de femme …

Âgé de 65 ans, NOVELLI, artiste français d’origine belge par son père et italienne par sa mère, vit et travaille à St Gilles Croix de Vie, sur le littoral vendéen.

En 1986, à 38 ans, il se détourne de sa carrière d’ingénieur pour se consacrer à la sculpture et travaille dans l’atelier du sculpteur Jacques Sergeff .
Il réalise sa première exposition à Tours en 1992. Poursuivant son ascension dans cette branche artistique, il devient sociétaire de l’Académie Internationale de Lutèce à Paris en 1997.

En 1998, il expose au concours international de l’Académie à Paris où il obtient la médaille d’or de sculpture.

En 1999, il devient sociétaire de la fondation Taylor à Paris.

Au fil des ans, Novelli enchaîne les expositions en France : en galeries d’art, en salons comme invité d’honneur, en abbayes et en centres d’art contemporain. Il pratique le dessin sur modèle vivant, afin de nourrir son imaginaire, lui permettant ainsi de poursuivre sa réflexion sur l’articulation des volumes, sur l’harmonie des formes et leur organisation dans l’espace, avec la plus entière liberté. Novelli est un admirateur des sculpteurs Ossip Zadkine, Jean Arp et Henry Moore.
Il est à l’écoute des administrations et des entreprises pour réaliser des sculptures monumentales, en bronze, intégrées au paysage.

Parisienne de naissance, Dominique JEGOU vit et travaille à Pornic, sur le littoral Atlantique. Peintre-sculpteur, autodidacte, professionnelle depuis 2001, Dominique aime la création pure. Elle a entamé sa profession de peintre en autodidacte, pleine d’envies et de curiosités. Les paysages, portraits, natures mortes ont vite fait place à des compositions abstraites.
Elle n’analyse pas ses sources d’inspiration, elles pénètrent en elle au vu de tout ce qui la touche : un détail, un vieux bois, un mur délabré…
Le fond de ses tableaux est très travaillé. Multiples passages, effacements, reprises, griffures. Quelques gestes puissants viennent ensuite structurer ses toiles dans une composition très personnelle.
Sa peinture n’est pas une peinture de représentation mais de présence.
Sans idées préconçues, sans repères, l’œil doit se laisser faire, s’ouvrir, s’égarer dans un monde sans chemin préalablement tracé.

Toucher, mélanger, pétrir : C’est une manuelle ! Elle aime travailler la matière et  l’aspect : le lisse, le rugueux, les pleins, les creux …
Pour ses sculptures Dominique utilise principalement le béton : brut ou légèrement teinté. Ce matériau autorise une grande liberté. Elle aime lui donner chair en y incorporant parfois différents éléments : pierre, galets, acier, verre… Le béton vit et devient sculpture !

« L’art est une recherche perpétuelle et non la paisible gestion d’une certitude »

Depuis que Patrick Sorin est enfant, il dessine. Le dessin l’accompagne toujours, surtout durant les périodes hivernales. Il réalise des portraits, des nus. La peinture l’accompagne aussi. Il travaille sur l’abstrait depuis 1995.

C’est en 1998 qu’il expose pour la première fois avec un ami, dans un bâtiment agricole. A cette exposition, il travaille à des réalisations conceptuelles sur l’utilisation du schiste ardoisier.

C’est pour Patrick un déclic. Déjà depuis longtemps il fabriquait meubles lampes et autres objets contemporains. La sculpture s’impose alors naturellement. Au début il utilise des matériaux faisant partie de son proche univers. Habitant sur les bords de la Loire, c’est le tuffeau qui retient sa préférence. Puis vinrent le schiste et le métal.

Au fil des années, schiste et tuffeau deviennent ses supports. L’utilisation des métaux ferreux devient pour lui une évidence, puis le métal un matériau de prédilection. Dès lors il expose cinq à six fois par an. Autodidacte il est toutefois dans la mouvance de Jean Clareboudt,  décédé accidentellement en 1997 à l’âge de 53 ans, avec lequel il prévoyait de travailler. Patrick Sorin s’exprime et s’amuse en réalisant des sculptures que l’on pourrait qualifier de « tribales ».

Ses constructions symboliques,non religieuses, mêlent un travail sur la forme et l’esthétisme. Ses œuvres sont minimalistes; elle doivent exprimer l’essentiel avec le minimum d’éléments. Son art reste très contemporain. Les matériaux qu’il utilise, savamment ordonnés, semblent se jouer de la pesanteur, tant ils offrent au regard des lignes et courbes graciles, empreintes de fragiles élégances.